도니제티의 "사랑의 묘약"-메트로폴리탄 오페라

1. 희극 오페라-몰입의 어려움

오페라의 내용은 크게 두가지로 나눌 수 있다. 비극적인 "오페라 세리아"와 희극적인 내용의 "오페라 부파"인데, 후자는 대부분 결혼에 관한 것이며 전자는 삼각관계 또는 허락되지 않은 사랑을 하다 결국은 죽음을 맞는 연인들에 관한 것이다. 평소 즐기며 익숙한 장르가 아무래도 비극 오페라라서 그런지, 아니면 시공간이 맞지 않는 유머코드가 어색해서인지, 이상하게 희극오페라는 나랑 맞지 않는다. 오페라를 보러가면 전날 밤 아무리 서너시간밖에 못잤다할지라도 왠만하면 졸지 않는데(특히 라이브 공연일소록), 이때까지 유일하게 완전 잔 적이 모차르트의 "마술피리"를 영화관에서 봤을때이다. 도저히 공감가지 않는 스토리에, 유치찬란한 무대에, 음악도 그저그렇고...이상하게 몰입이 안되더니 급기야는 완전 자버렸다. 중간에 일어나서도 집중해서 볼려고 노력했으나 거듭 그냥 수면으로 몰입-_-;; 따지고보면 "마술피리"는 부파 오페라가 아닌 "징슈필"(Singspiel)이고 나름 자유주의 사상등의 심오한 내용을 담고 있는 명작이다. 또한 동화적 내용과 판타지로 인해 크리스마스즈음해서 어린이들에게 많이 보여주는 작품이기도 하다. 이러한 예술적, 도덕적 가치에도 불구하고 나와는 결코 합이 맞지 않았던 "마술피리"....앞으로 이 작품을 분석하고 공부는 할지언정, 라이브로 보러갈 일은 없을 듯 하다.

완전히 자지는 않았지만 졸리거나 졸릴뻔했던 다른 작품으로는 롯시니의 "세빌리아의 이발사"가 있다. 가히 오페라 부파계의 최고 걸작이라 할 수 있는 이 작품은 지난달에 메트로폴리탄오페라에서 디아나 담라우의 주연으로 봤었다. 아무래도 실제 라이브 공연이기때문에 "마술피리"때처럼 완전히 수면으로 빠지진 않았으나 보면서 좀 지루했던 것은 사실이다. 부파에서 항상 등장하는 편지 조작 에피소드를 비롯해 다른사람들 웃을때 난 도저히 안웃기는 장면들 등등..롯시니의 기악적이고 기교적인 선율을 듣는 것과 디아나 담라우의 타고난 연기력과 꾀꼬리같은 목소리를 듣는 건 좋았으나 전반적인 오페라의 스토리에는 공감하기 어려웠다.  그외 모차르트의 "피가로의 결혼", "여자는 다그래" 등도 보면서 상당히 지루함을 느끼는 오페라 부파들이라 수면의 위험성이 곳곳에 산재한다.

2. 도니제티의 유머코드-유일하게 몰입이 되는 희극 오페라

이처럼 전반적으로 희극 오페라와 거리가 먼 나이지만 유일하게 희극 오페라치고 몰입이 되는 작곡가가 도니제티이다. 사실 도니제티는 벨칸토의 정수라고 할만한 "루치아"(Lucia di Lammermoor)의 작곡가로 더 널리 알려져 있다. 이점에 있어선 역시 벨칸토 비극에서 한가닥 하는 벨리니("노르마"의 작곡가)와 쌍벽을 이룬다 할 수 있다.

그런데 같은 벨칸토의 거장임에도 불구하고 도니제티만의 특징으로는, 그는 벨리니와 달리 부파 장르에서도 큰 업적을 남겼다는 점이다. "L'elisir d'amore"(사랑의 묘약), "Don Pasquale," "La fille du Regiment"(연대의 딸, 불어 오페라) 등  그의 대표적인 희극 오페라들은 19세기 부파 중 최고의 명성과 인기를 자랑한다해도 과언이 아니다.

작년 크리스마스 이브에 봤던 "연대의 딸"(니노 마차이제, 로렌스 브라운리 주연)을 비롯해 3월9일날 봤던 "사랑의 묘약"은 전혀 지루하지 않았다. 코믹 오페라라도 도니제티의 작품은 확실히 나와 합이 맞다. 왜 그런지 이유는 모르겠다.

3. "사랑의 묘약"-메트로폴리탄 오페라

Conductor: Donato Renzetti
Adina: Diana Damrau
Nemorino: Juan Diego Flórez
Belcore: Mariusz Kwiecien
Dulcamara: Alessandro Corbelli

이날 공연은 실로 드림팀, stellar cast의 전형이라 할만큼 최고의 가수진이었다. 디아나 담라우가 아디나를, 플로레스가 네모리노를, 퀴비쳰이 벨코레를 불렀으니 이 이상의 더 좋은 가수진을 찾기 힘들다 할 정도로 드림팀이었다. 아디나, 네모리노의 벨칸토 테크닉은 완벽했으며 벨코레의 군인 연기도 인물에 딱 들어맞았으며 돌팔이 약장수 둘카라마 또한 극의 중심을 잘 잡아주었다.

이 오페라는 실제론 평범한 보르도 와인에 불과한 것을 사랑의 묘약이라고 믿는 사람들에 의해 벌어지는 이야기이다. 아디나를 사모하던 네모리노는 결국 이 가짜약이 진짜인줄 알고 마시지만 어찌어찌하여 결국은 거짓말처럼 이 둘의 사랑이 이뤄지는 해피엔딩으로 끝난다. 똑같이 사랑의 묘약으로 부터 일이 전개되나 결국은 연인의 비극적 죽음으로 끝나게 되는 것이 바로 바그너의 "트리스탄과 이졸데"이다. 묘약이라는 동일한 소재를 공유하다보니 이 오페라 중간에도 아디나가 트리스탄의 이야기를 들려주는 장면이 나온다. 이때 나오는 음악은 바그너랑은 전혀 상관이 없다(바그너의 "트리스탄"은 "사랑의묘약"보다 훨씬 뒤에 작곡되었다).

*아디나가 "트리스탄과 이졸데" 책을 읽어주는 장면. 사랑의 묘약덕에 트리스탄은 이졸데와 영원히 행복하게 살았다는데...이는 차후 일어날 아디나와 네모리노의 이야기가 되기도 한다. 처절한 사랑에 고통받고 결국은 죽음까지 이르게 되는 바그너의 "트리스탄"과는 전적으로 대조되는 결말이다. 클립에서 아디나는 안나 네트렙코, 네모리노는 롤란드 비야존. 

전날 새벽에 각종 일처리 한다고 한 다섯시간밖에 못잤지만 오페라를 보는내내 전혀 졸리거나 지루하지 않았으며, 희극 오페라임에도 몰입하며 보았다. 그 이유로는 우선 담라우와 플로레스의 탁월한 가창력과 연기력에 힙입은 바가 크다. 플로레스는 가짜약인 포도주를 마시고 술취한 연기를 너무 웃기고도 적나라하게 해주었다. 특히 술이 취한 채 횡설수설 비틀거리며 헤롱헤롱하는 연기를 비롯해 요즘 유행하는 각종 댄스를 보여주며 관객들을 정말 즐겁게 해주었다. 담라우 또한 무대를 갖고노는 흥이 대단한 가수인데, 이날 찰떡호흡 플로레스를 만나 평소보다 훨씬 많은 에너지와 끼가 발산된 듯 하였다.

중간 중간 웃긴 장면들에선 관객들이 다같이 웃었고, 종이위에 파스텔이나 크레용으로 대충 그려 만든 듯한 허접한 무대 또한 어설프기 보단 귀엽게 느껴졌으며, 각 캐릭터들은 사이의 오해와 밀고당기기는 유치하다기 보단 사랑스러울 정도였다. 한국식으로 하자면, "이 약 한번 먹어봐, 신경통, 관절염, 위궤양, 두통, 치통, 상처 곪은거 전부 다 들어~~"라고 외치던 약장수 또한 허세스럽고 사기꾼이라기 보다는 넉살좋은 통닭집 아저씨의 포스였다.

알고보니 이번 시즌을 끝으로 허접스럽지만 귀여웠던 그 무대는 사라지고, 다음시즌에는 다소 현대적인 연출의 "사랑의 묘약"이 올려질 예정이란다. 모던한 배경의 "사랑의 묘약"은 어떻게 펼쳐질 지 기대가 된다. 

베르디 “Aida”-메트로폴리탄 오페라

베르디 “Aida”-메트로폴리탄 오페라

초연: 1871, 카이로 오페라 하우스

대본: Antonio Ghislanzoni

지휘: Marco Armiliato

람피스: James Morris

라다메스: Marcelo Alvarez

암네리스: Stephanie Blythe

아이다: Violeta Urmana

프러덕션: Sonja Frisell

무대 디자인: Gianni Quaranta (영화 “전망 좋은 방” 미술 감독)

2월 16일날 학교에서 수업 마친 후 메트 오페라에 아이다를 보러갔다. 들리는 소문으로는, 개선행진곡에 진짜 코끼리와 말이 등장하며 시각적으로 압도적인 스펙터클을 보여준다고 하는지라 내심 기대가되었다. 대규모의 합창 장면, 개선행진 시 들어왔다 나가는 긴 행렬들, 거대한 신전, 한번 들어가면 살아서는 절대 나올 수 없는 거대한 돌무덤 등 베르디의 오페라 중 이와같은 압도적인 무대가 무엇보다 두드러지는 작품이 바로 “아이다”이다. 바로 이런점 때문에 베로나의 콜로세움같은 거대한 야외극장은 아이다 공연을 위한 비쥬얼적으로 최고의 장소이기도 하다.

역시나…화려한 스펙터클 하면 세계 어느 오페라 하우스를 압도하고도 남을 메트답게(그만큼 다른 극장에 비해 예산이 상대적으로 많은 편이라) 정말 화려하긴 했다. 기대했던 코끼리는 안나왔지만 말은 제법 나왔다. 헌데 연주도중 말이 자꾸 화난 듯이 앞발길질을 하는 바람에 오케스트라로 뛰어든다거나 가수들을 공격한다지는 않을까 염려되는 조마조마한 상황이 연출되기도. 무대에서 심통부리는 듯한 말을 보니 차라리 코끼리가 빠진게 다행이라는 생각이 들었다. 동물을 등장시키는 장면이 나쁘진 않지만 훈련시키는 과정에서 동물 특유의 야성적 본능을 누르게끔 한다는 점-말도 비록 인간적으로 윤리적으로 다뤄진다 할지라도-이 그리 달갑게 보이지는 않는지라, 코끼리가 안나오는 것이 전혀 아쉽지 않았다. 무대 연출은 영화 “전망 좋은 방”(A Room with a View)의 미술을 담당했던 지아니 콰란타인데, 평소 메트 오페라의 전반적인 경향에 걸맞게 상당히 고전적이고 그래서 시각적으로 편안하고도 익숙한 느낌을 주었다. 굳이 이집트와 에티오피아의 실제 의상과 자연 환경이라기 보다는 그 나라들을 생각했을때 우리가 떠올리는 "분위기" 및 "상상된 이미지"에 부합하는 무대였다.

베르디가 오텔로를 작곡한 후 카이로 오페라 극장 개관을 기념해 위촉 받은 작품인만큼 베르디 특유의 후기 음악적 어법이 곳곳에 드러난다. 초기 오페라에서 보이는 쿵짝짝 리듬 및 섹션별로 명확하기 나눠지는 것이 사라지며 장면들이 보다 자연스럽고 부드럽게 이어지는 것이 특징이다. 음악이 명확한 종지점과 구분을 피한채 끝없이 이어지는 바그너의 음악적 방향으로 베르디 또한 따라가는 것이라 할 수 있다 (“Art of Transition”).

성악가들에 대해 말하자면, 이날 공연은 “아이다”가 아니라 “암네리스”였다. 스테파니 블라이트의 압도적으로 큰 성량이 나머지 모든 성악가들을 다 죽여버렸다 할 정도로 노래 실력 및 무대 존재감에 있서 독보적이었다. 그러나 암네리스가 사랑하는 라다메스를 맡은 알바레즈의 노래는 평소에 비해 제 실력을 온전히 발휘하지 못해였다. 너무 막강한 암네리스를 만나 그런가 하는 생각이 들 정도로. 그래서 등장해서 처음 부르는 entrance aria라 할수있는 “Celeste Aida”에서도 연인을 향한 애틋하고 다정한 느낌 보단 불안하고 뭔가 찌질해보일 정도였다. 다소 비실비실했던 라다메스는 아이다를 맡은 비올레타 우르마나에게도 영향을 준 것 같았다.

우르마나는 전반적으로는 괜찮았지만 그렇다고 시원한 가창을 들려주진 않았다. 에티오피아 공주인 아이다는 적국인 이집트에 인질로 잡혀와서는 그곳의 장군인 라다메스와 사랑에 빠지는, 조국과 연인 사이에서 끊임없이 갈등하고 번민하는 역할이다(이 점에 있어 자신의 가문과 사랑하는 사람 사이에서 갈등하는 “공주의 남자”의 세령이와 상당히 비슷한 처지다). 그런 마음의 아픔 및 갈등이 노래 전반적으로 느껴져야는데, 암네리스의 무지막지한 “미친 존재감”이 아이다를 그만 가려버렸는지 절절함이 호소력있게 다가오지 않았다. 사실 "아이다"는 이 세 인물의 사이에 흐르는 긴장 관계 및 심리전이 극을 이끌어간다해도 과언이 아니다. 그러기 위해서는 오페라의 주된 스토리 축인 삼각 관계를 이루는 아이다, 라다메스, 암네리스 사이에 팽팽한 실이 당겨진 듯한 긴장감이 시종일관 감지되어야 한다. 즉, 아이다와 라다메스는 사회적으로 서로 허락되지 않은 관계이기에 그들의 사랑을 항상 숨겨야 하며, 혹시나 들킬까하는 조마조마함이 늘상 뒤따른다. 아이다와 암네리스는 서로 연적 관계인데, 둘이 같이 있을 때면은 암네리스는 질투심과 복수의 감정, 아이다는 불편함과 두려움의 감정을 느낀다. 암네리스와 라다메스는 후자의 전자에 대한 일방적 집착과 사랑이 급기야는 애증으로 변하게 된다. 허나, 암네리스의 카리스마가 너무 강한 나머지, 세 인물 사이의 이러한 드라마적 긴장의 밸런스가 깨져버렸고 따라서 암네리스가 왜저리 자기보다 못해보이는 남자에게 집착할까 하는 생각이 들 정도였다. 언젠가 기회가 있다가 카우프만의 강렬하고 힘있는 목소리로 라다메스 장군을 들을 수 있는 기회가 있었으면 한다.

이날 블라이트를 제외한 성악가들에게서 뚜렷한 느낌을 받지 못했던 반면, 감동적이었던 것은 오히려 베르디의 음악과 드라마였다. 아주 오래전에, 한국에서 “아이다”를 본 기억이 있긴 하지만 그때 베르디의 음악이 특별히 감동적으로 느껴지진 않았었다. 하지만 이번 메트의 라이브 공연에서 오래간만에 들어본 아이다 음악은 정말 완전 다르게 다가왔다. 초기 작품에 비해 훨씬 박진감있고 세련되고 깊이있는 무게감이 느껴졌다. 단순히 오케스트라 반주가 아니라 무대 위에서는 들리는 관악기 또는 하프의 효과적인 사용, 앞서 말한 “Art of Transition”의 면모, 듀엣과 앙상블에서 클라이막스를 향해 몰아가는 긴장감은 가히 베르디의 음악적 어법의 완성이라해도 과언이 아닐 것이다. 

더불어 라다메스, 아이다, 암네리스 누구하나 단편적인 1차원적 캐릭터가 아니라 조국과 사랑 사이에서 갈등하는 나름대로 복잡한 심리를 가진 인물들이다 (이점에 있어, 같은 후기 작품으로 분류되는 “오텔로”나 “돈 카를로”또한 비슷하다). 그러한 갈등을 처음으로 보여주는 사람은 아이다며, 이후 라다메스 또한 같이 도망가자는 아이다의 간청에 정말 조국을 떠날 것인지 갈등하게 된다. 마지막에 가서는 그 표독하던 암네리스 또한 라다메스를 죽이기로 한 판결을 후회하며 혹시 다시 뒤집을 수 없을까 하며 고뇌하는 장면이 나온다.

평소에 무덤덤하게 생각했던 “아이다”가 이번 메트 실황으로 새롭게 다가왔다. 조만간 프레니(아이다)/발차(암네리스)/카레라스(라다메스)/카라얀(지휘) 음반을 주문해서 듣고 또 들어야겠다.

*예전에 분석시간에 마크 선생님이 과제로 내어주셨던, 라다메스와 암네리스의 듀엣. 조국과 연인 사이에서 갈등하던 아이다는 전쟁 포로로 잡혀온 자신의 아버지인 아모나스로 왕에게, 라다메스를 통해 알아낸 군사기밀을 말해버리는데 이를 암네리스가 목격한다. 아이다와 라다메스는 결국 잡히고, 여전히 라다메스에 대한 연정을 끊지 못한 암네리스는 라다메스에게 아이다를 버리면 목숨을 살려주겠다고 회유하지만 라다메스는 단호히 거절한다. 동영상은 암네리스가 라다메스를 회유하지만 라다메스가 거부하고, 이에 암네리스가 격분하는 바로 그장면이다.

이 유툽 클립은 당시 숙제하기 위해 찾아본 것중 가장 좋았던 것으로, 빈 국립 오페라의 반주로 도밍고와 아그네스 발차가 노래하는 연주이다. 동영상에서 발차는 이미 전성기를 훨씬 넘어선 나이의 할머니로서 고음에선 팔세토를 쓰기도 한다. 하지만 연인을 위협함과 동시에 혹시나 하는 희망을 갈구하는 나약한 암네리스의 모습을 너무나도 완벽하게 그려낸다. 연주에서 뿜어져나오는 카리스마와 완벽한 표현은 목소리의 쇠퇴를 잠재우고도 남는다.